Tečaj Digitalne fotografije

Že pred mesecem dni smo razpisali začetni tečaj digitalne fotografije in tako se je zgodila sobota 17. oktobra, ko smo se skupaj s tečajniki zbrali v MC Krško.

Najprej tri ure teorije o osnovah in zakonitostih fotografije, potem pa družno na sprehod vsak s svojo fotokamero in veselo na delo.

Vsakemu posebej smo se posvetili in se pozabavali z nastavitvami njihovih fotokamer

in lov za uspešnimi fotografijami se je začel.

Naša najmlajša tečajnica.

Ko smo po dobrih treh urah končali, smo se vrnili v MC in vsak je izbral svojih pet najuspešnejših fotografij, ki smo jih skupaj analizirali.

In nekaj uspelih je tu, pred vami.

Futurizem - Prva avantgarda - prvi izbruh energije in revolta

"Opevali bomo ljubezen do nevarnosti, pogum, drznost in upor pa bodo esencialne prvine naše poezije." To je izsek iz kréda futurističnega gibanja.

Ta krédo, katerega glavni začetnik je bil pesnik Filippo Tomasso Marinetti, je ostro zarezal v evropsko kulturno tradicijo, zgrajeno na antiki in renesansi. Vse se je pravzaprav zgodilo zelo na hitro, saj je se nekaj mesecev pred februarjem 1909 Marinetti pisal dokaj povprečno simbolistično poezijo in nihce ni razmišljal o Italiji kot o kulturno-umetniško napredni in drzni deželi. Vendar se je to zgodilo čez noč in zasluge za nastanek in mednarodni uspeh futurističnega gibanja kot povsem prvega avantgardnega gibanja in obenem prvega gibanja, ki je bilo usmerjeno na množično občinstvo in je v tem tudi razvilo mehanizem propagande, gredo Marinettiju. Kot nam pove filozof Aleš Erjavec, Marinettijeva umetnost ni bila nič posebnega, ne umetniško ne kako drugače, vendar pa je bil on izjemen organizator, pravi spiritus agens futurizma, ki je futurizem "povzročil, ga ohranjal, ga razvijal in ga tudi ves čas držal na neki nejasni in nelagodni distanci do fašizma".

In ravno kompromitirajoča navezava na fašizem je tisto, po čemer številni futurizem poznajo, bolj kot pa po bistvu njegovega ideološkega in umetniškega kréda, katerega bistva so, kot poudari tudi Matjaž Berger "pogum, upor, revolt, pogled od zgoraj, energija, dinamizem, letala stroji ?".

Vendar je vsako neposredno povezovanje futurizma s fašistično ideologijo pavšalno in nepravilno, četudi sta bila Mussolini in Marinetti osebno povezana več desetletij. Za pravilno razumevanje odnosa med futurizmom in fašizmom se je treba ozreti v evolucijo obeh pojavov.

Futuristična ideja na pohodu

Nastopa futurizma sicer ni mogoče razumeti brez razumevanja zgodovinskega položaja, v katerem se je Italija znašla konec 19. stoletja. Ustanovitev združene Italije v šestdesetih letih namreč Italijanom še ni prinesla odrešitve. Hrepeneli so po gospodarsko močni velesili (oziroma vsaj po državi, na katero druge velesile ne bi gledale zviška), in to imperialistično hrepenenje se je izrazilo tudi v zgodnjem bojevitem futurizmu, za katerega bi lahko tako tudi dejali, da je bil "ideja na pohodu".

Futuristi na kolesih v vojno

In futuristi, ki jih je bilo v prvih letih le peščica, so se ob izbruhu prve svetovne vojne tudi zares podali na pohod. Marinetti, Boccioni, Piatti, Sironi in Russolo, ki so tudi podpisali intervencionistični manifest Italijanski ponos, so se pridružili prostovoljskemu lombardskemu kolesarskemu bataljonu, revijo Lacerba pa so spremenili v glasilo, ki "naj bi v Italiji pripravilo vzdušje vojne". Ta začetna dinamika, ki se je izrazila v performansih (po besedah Matjaža Bergerja gre pri futurizmu za prvo gibanje performerjev) in v prvenstveno inovativnih umetniskih formah zračne poezije (aeropoesia) in zračnega slikarstva (aeropittura), se je po koncu prve svetovne vojne izrazila tudi realnopolitično. Ko so na v Versajski mirovni konferenci zmagovite sile določale novo podobo Evrope, so futuristi, ki v duhu avantgarde ne ločujejo med umetnostjo in življenjem in ki v tem duhu tudi želijo iz "življenja narediti umetniški projekt, iz politike estetsko dejavnost ter iz estetske dejavnosti politično" (Erjavec, Ales: Ideologija in umetnost modernizma), ustanovili politično stranko. To je bil tudi simbolični zacetek fašizma. Iz tega programa je namrec črpal zgodnji fašizem, dokler se ni izrodil v običajno pragmatično politično stranko, pripravljeno na paktiranje z nekdanjimi sovražniki, če si le od tega obeta korist.

Marinetti in Mussolini opevata drug drugega

Pod vplivom futurizma (v primeru Mussolinija pa se bolj tudi pod vplivom njegovega mentorja pesnika in političnega pustolovca Gabrieleja d'Annunzia) se je v času, ko so intervencionistično politiko zastopali desnica, nacionalisti, futuristi, republikanci, mazzinijevci, demokrati in prostozidarji, oblikovala fačisticna retorika.

In to je bil čas, v katerem se je oblikoval dolgoletni tesen odnos med Mussolinijem in Marinettijem, izvrstno izraženim v naslednjih dveh slavospevih. Mussolini je Marinnetija imenoval za "inovativnega pesnika, ki mu je dal občutek za oceane in za stroj," Marinetti pa je Mussoliniju posvetil pravi traktat. Sledi odlomek: "Mussolini ima masivno, skali podobno glavo, ter oči, ki se premikajo ultradinamično ter dirjajo hitro kot avtomobili na lombardijski ravnini ali italijanski hidroavioni na nebu nad oceanom in njihova beločnica se premika kot volkova. /?/ zaletav, a gotov vase, ker je njegova prozna zdrava pamet pravilno presodila razdaljo /?/ Spominjam se, kako se je zasmejal kot srečen otrok, ko je odstel dvajset strelov iz svojega ogromnega revolverja v policajev kiosk na Via da Canobbia /?/ Lirski otrok z imenitno intuicijo /?/ pravi futuristični znacčaj."

Vedno bolj mlacna fačizem in futurizem

Lahko bi dejali, da se je tako v primeru futurizma kot tudi v primeru fašizma za resnicno izkazala domneva futuristov, da je vojna edina higiena sveta (v manifestu z naslovom Vojna, edina higiena tega sveta je Marinetti med drugim zapisal: "Posamezniku in skupnosti bi morale biti zagotovljene vse pravice, razen pravice do strahopetnosti."), ki daje možnost za etični mir, za aktivno poenotenje subjektov, ki se dejavno in brezkompromisno borijo za cilje. Ko se je na morije na soški fronti in pri Verdunu že nekoliko pozabilo, so tako futuristi kot fašisti postali kar nekoliko mlačni.

Mussolinijevim teatralnim govorom ni bilo več mogoče povsem verjeti; bili so teater svoje vrste; iz futurizma pa je nastala prava umetniška šola, v svojem bistvu ne različna od etabliranih umetniških šol, tako običanih v zolčnih tiradah zgodnje Marinettijeve klike. Ta je vzklikala: "Uničili bomo muzeje, knjižnice, akademije vseh vrst /?/", Marinetti, ki je pozneje sam postal član fašistične akademije znanosti in celo Mussolinijev minister za kulturo, pa je na predvečer nastopa futurizma zapisal: "Danes, ustanavljamo futurizem, ker želimo to deželo osvoboditi smrdljive gangrene profesorjev, arheologov, ciceronov in starinarjev." In še: "Občudovati staro sliko je enako kot razglabljati o rahločutnosti pogrebne žare, namesto da bi jo v divjih krčih akcije in kreacije zabrisali daleč stran."

O futurizmu začno razpravljati teoretiki ali konec futurizma

In vendar so tudi dela futuristov kmalu postala tovrstne slike, pred katerimi so poznavalci in ljubitelji umetnosti dolgo stali in pametovali. Futuristično slikarstvo je sicer bilo najprej napovedano, šele nato je nastalo. Kot tudi poudarja Aleš Erjavec, je Marinetti ze leta 1909 napovedal futuristično slikarstvo in leta 1910 je bila ze organizirana prva razstava, četudi leto poprej ni obstajala še niti ena sama slika. 'Stroj' je zagnal Marinetti, ki sam v roki sicer ni držal čopiča, vendar pa je spodbujal slikarje, kot je bil Boccioni, in obenem zamenjeval terminologijo slikarstva, arhitekture ter sploh vse umetnosti, da bi futuristično umetnost prikazal bolj novo, kot je v resnici bila. Kot pravi Erjavec: "Teh manipulacij, na katere avtorji svobodno pristanejo, je zelo veliko. In pravzaprav futurizem uspe zgraditi svojo lastno preteklost, kar pa nenazadnje dela tudi veliko političnih in umetniških gibanj."

Pet minut za kulturo - Paul Gauguin

Paul Gauguin (1848-1903), francoski slikar rojen v Parizu, umrl v Francoski Polineziji. Preden je postal slikar, si je služil kruh v mornarici in kot bančni uslužbenec. Gauguin je eden vodilnih francoskih slikarjev postimpresionističnega časa, čigar konceptualne metode so služile kot osnove slikarski umetnosti 20. stoletja. Sicer ga je slikarstvo pritegnilo 1874, ko je obiskal razstavo impresionistov in kupil številna dela Maneta, Moneta, Renoarja, Pissarroja in Sisleya. Skupaj s Pissarrojem in Cezanom je začel slikati in je z njimi razstavljal v letih 1880-1882. Družil se je s številnimi slikarji tistega časa. Po tem, ko je 1888 preživel nekaj časa z Van Goghom, je prešel od impresionistične tehnike, ki jo je dotlej uporabljal, na bolj izrazni stil (ekspresionistični), ki se je odražal predvsem skozi živopisne barve. Njegovo iskanje novega načina življenja, ki je moralo biti oddaljeno od civilizacije in bolj prvinsko ter iskreno, se odraža tudi v njegovih slikah, ki jih je naslikal po letu 1891, ko se je preselil na Tahiti in kasneje na različne otoke Francoske Polinezije. Tu je Gauguin odkril preprosto umetnost s ploskimi oblikami in divjimi barvami, ki so bile del neokrnjene narave. Vse to je kasneje s popolno iskrenostjo prenesel na slikarsko platno.

razlaga slike: Odkod prihajamo? Kdo smo? Kam gremo?

Gauguin sam je o tej sliki dejal:

V spodnjem desnem kotu otrok spi in tri ženske sedijo. Dve figuri, odeti v rdeče, si pripovedujeta svoje misli. Velika figura dviga roke in začudeno gleda dve ženski, ki sta tako drzni, da si upata razmišljati o usodi. Oseba v sredi trga plod. Dve mački pri nekem otroku. Bela koza. Neki malik skrivnostno in ritmično privzdignjenih rok, kot zgleda, kaže na oni svet. Dekle, ki sedi na tleh, posluša malika. Starka blizu smrti vse sprejema in se prepušča mislim. Ona zaključuje zgodbo. čudna bela ptica ob njenih nogah predstavlja odvečnost besed.

Gauguin je leta 1898 poslal sliko na razstavo v Pariz, kjer je neki kritik pripomnil: "Na velikem Gauguinovem platnu ni ničesar, kar bi pojasnjevalo alegorijo (v naslovu)."

Gauguin pa je napisal odgovor:

"Da, moj sen je neulovljiv in ne vsebuje alegorije; kakor je rekel Mallarme: 'To je glasbena poema, ki ne potrebuje libreta. Vsebina nekega nestvarnega in nedoumljivega dela je torej prav v tistem, kar ni izraženo; bistvo se dojema onstran barve in besed saj bistvo ni materialne narave. - Jaz hkrati slikam in sanjam, pred očmi nimam nobene konkretne alegorije. In ko se po končanem delu vprašam: Odkod prihajamo? Kdo smo? Kam gremo? ta misel nima več nič skupnega s platnom, izražena je z besedami, ki so povsem ločene na zidu, na katerega so napisane. To ni naslov, temveč podpis."

Pa še ena od avtorja prispevka:

Robert Hutinski: VAL

DSLR ali kompakt! Kaj kupiti?

V prilogi je PDF datoteka, ki načenja vedno in povsod žgočo temo, kaj kupiti? Upam, da vam bo ta prispevek pomagal razjasniti osnovno dilemo.

Datoteka je v PDF formatu.


Kompakt ali DSLR

Pet minut za kulturo - Luca Giordano

Luca Giordano (1634-1705)

Luca Giordano je najpomembnejši italijanski slikar dekorativnih ciklov druge polovice 17. st.
Njegova slava je bila velikanska, čeprav njegova umetnost v času njegovega življenja ni bila v celoti razumljena. Izmed slikarjev napoletanskega baroka se je prvi oddaljil od prevladujočega tenebristično naturalističnega stila, ki je v Riberovem krogu tudi njega v začetku formiral.

Ko se je študijsko ustavil 1652 v Rimu, je še veliko eksperimentiral in se učil ob dosežkih drugih umetnikov, približal pa se je tudi beneškim mojstrom 16. st., predvsem Veroneseju. Velik vpliv nanj pa sta imela predvsem Pietro da Cortona in Rubens z značilno briljantno uporabo žarečih barv in z občutkom za gibanje ter dramatično akcijo.

Ob vzdevku >>Luca fa presto<<, ki ga je dobil zaradi sposobnosti izredno hitrega slikanja in lahkotnega ustvarjanja obsežnih in zapletenih kompozicij, se je dojemanja njegovega dela prijel tudi kliše, ki ga je označeval kot virtuoznega imitatorja različnih stilov drugih umetnikov, ob tem pa so seveda spregledovali njegovo veliko inventivnost polno bogate domišljije ob silno obsežni produkciji oltarnih slik, mitoloških podob in fresko dekorativnih poslikav palač ter cerkva.

Giordanov zgodnji razvoj je bil zelo pod Riberovim vplivom, po njegovem zgledu je naslikal tudi veliko doprsnih upodobitev filozofov, za katere je značilen natančen študij fiziognomije in izraza.

Slavni oltarni sliki (in situ) za cerkev San Agostino degli Scalzi, Napoli, iz 1658, pa že lahko imamo za primer iz obdobja, ko je umetnik izoblikoval svoj živahen baročni stil: Sv. Tomaž iz Villanove deli miloščino in Ekstaza sv. Nikolaja Tolentinskega sta naslikani v sijajnih toplih beneških barvah in svetlobi.

Iz tega časa sta tudi sliki Poklicanje sv. Mateja in Poklicanje sv. Petra, obe v Certosi di San Martino, Napoli, kamor se čez veliko let vrne in v svojih zadnjih letih ustvari mojstrsko fresko poslikavo Cappelle del Tesoro, z motivi starozaveznih heroin, v stilu svetlih zračnih vizij z odprtim središčem in koncentriranim dogajanjem ob robovih, ki že kažejo občutek za rokokojsko milino 18. st., čeprav prizori še vedno zadržujejo baročno strastno veličastnost.
V muzeju Capodimonte si lahko ogledamo Giordanovi zgodnejši deli, Poroka v Kani in Herodovo slavje, na katerih pridejo do poglavitnega izraza razkošne veronesejevske banketne scene, dobro pa je znal tako temo obravnavati tudi napoletanec Mattia Preti, ki ga je Giordano ravno tako občudoval.

V svetlejši paleti iz 1664 pa se morda kaže celo Poussinov vpliv ( Sv. Marija s svetima Joakimom in Ano ter Počitek na begu v Egipt, obe v cerkvi Santa Teresa a Chiaia, Napoli ), morda pa je v bolj nežnem občutju razpoznati tudi približevanje stilu Guida Renija. V poznih 70-tih je začel serijo fresko ciklov ( tisti v Montecassinu uničen ...), v cerkvi Santa Brigida, Napoli je Sv. Brigida v slavi inspirirana po Lanfrancovi freski iz kapele San Gennaro v napoletanski katedrali. Figure na pendentivih so drzno skrajšane z namenom, da se razporeditev v prostoru tako približa vtisu globine v sicer nizki kupoli.

Scene iz cikla Življenje sv. Gregorja Armenskega v cerkvi San Gregorio Armeno (Napoli) pa so nanizane v svobodnem kompozicijskem ritmu. V tem zrelem obdobju je med obsežnim delom za florentinske naročnike (kjer je meddrugim v poslikavi galerije v Palazzo Medici-Ricardi 1682 ustvaril eno svojih najodličnejših del, ki so s svojo zračnostjo in svetlobo vplivala na okus 18. st.) 1684 naredil tudi izredno delo Krisus izžene trgovce iz templja na vhodni steni cerkve Girolamini (Napoli ).

V aprilu 1692 je Luca Giordano odšel v Španijo, kamor ga je poklical španski kralj Karel II, ki ga je kmalu nato imenoval za dvornega slikarja, kjer je tudi ustvaril številna odlična dela (za Escorial, Toledo, Madrid). Po Karlovi smrti se 1702 vrne v Napoli, kjer se ob druženju s Francescom Solimeno ponovno poglobi v napoletansko tradicijo in Pretijevo slikarstvo dramatičnih kontrastov svetlobe in teme, kar je videti na šestih slikah v cerkvi Girolamini. V tem obdobju poslika tudi majhno kupolo že omenjene Cappelle del Tesoro v Certosi di S. Martino. Bolj vizionarna in temno senčena pa so njegova zadnja dela, freske v zakristiji cerkve Santa Brigida in sliki v cerkvi Donnaregina Nuova, Napoli, ki jih je sicer dokončal njegov učenec Giuseppe Simonelli.

Zaradi številnih naročil je imel Giordano tudi veliko delavnico s mnogimi učenci in posnemovalci, vendar pa je edino F. Solimena, ki je bil bolj njegov prijatelj kot učenec, lahko sprejel mojstrov bogat in raznolik koncept vezi s tradicijo. V 18. st. so ga zelo cenili, občudovala sta ga C.N. Cochin in J.H. Fragonard, vendar pa je z uveljavitvijo neoklasicizma njegova slava pojenjala. Umetnost Luca Giordana pa je bila v 20. st. deležna tudi precejšnje pozornosti ob prenovljenem zanimanju za baročno umetnost.

• Robert Hutinski: Labirint

Pet minut za kulturo - Albrecht Dürer

Albrecht Dürer se je rodil leta 1471 v Nürnbergu zlatarju, ki je imel pozneje z Albrechtovo materjo še najmanj 14 otrok. Prav v očetovi zlatarski delavnici je mladenič dobil znanje, odmeve katerega lahko pozneje opazujemo na natančnih upodobitvah svečnikov in drugih predmetov na njegovih grafikah.

Grafične izkušnje, ki jih je pozneje dodelal do te mere, da se je v zgodovino umetnosti zapisal kot eden največjih grafičnih mojstrov, je pridobil v delavnici botra Antona Kobergerja, ki je opustil zlatarstvo in se začel ukvarjati s tiskanjem, nato pa še pri Michaelu Wolgemutu in Wilhelmu Pleydenwurffu. Po končanih pripravniških letih je sledil staremu nemškemu običaju in se odpravil na "potepanje" (Wanderjahre), v katerih so bodoči slikarji svoje znanje izpopolnili še pri umetnikih
iz drugih mest oziroma držav. Odpravil se je v Colmar, po vsej verjetnosti, da bi srečal in se učil pri Martinu Schongauerju (1425-1491), a je v mesto prispel prepozno, saj je slikar že umrl.

Nato se je po vsej verjetnosti odpravil v Frankfurt, na Nizozemsko in pozneje še v Basel, poseben vpliv na njegovo nadaljnje ustvarjanje pa je imel obisk Italije.

Tja se je odpravil leta 1494. Po vsej verjetnosti ga je k temu spodbudil tudi izbruh epidemije kuge v Nürnbergu (kjer je pustil svojo ženo Agnes Frey). Na potovanju čez Alpe pa si je čas krajšal čas tudi
s slikanjem akvarelnih podob okolice, ki veljajo za prve prave krajine v zahodni umetnosti.
Leto pozneje se je vrnil v Nürnberg, kjer je odprl lastno delavnico in kmalu zaslovel kot graver in lesorezec. Leta 1498 je nastala njegova slavna grafična serija Apokalipse (motivika je bila ob približevanju leta 1500 in s tem povezanim vsesplošnim strahom pred prihodom poslednje sodbe v Evropi zelo priljubljena), ki je postala prava uspešnica. V tem letu je nastalo tudi prvih sedem prizorov velikega pasijonskega cikla, nekoliko pozneje pa še serija enajstih prizorov svete družine in svetnikov.

Portret 'slovenske kmetice'

Leta 1505 je sledilo drugo potovanje v Italijo in tega leta je nastal tudi portret dekleta, danes poznan pod Una Villana vindisch. Kdo se skriva za to označbo, pravzaprav ne vemo natačno, vsekakor pa lahko pri oznaki 'vindisch' domnevamo, da gre za prebivalko ozemlja, ki je
ležalo vsaj v bližini 'današnje Slovenije'. V Italiji se je ukvarjal predvsem s slikanjem s tempero na platnu. Kljub izjemnemu ugledu, ki ga je bil deležen v Benetkah, se je sredi leta 1507 vrnil v domači
Nürnberg in ostal v nemških deželah do leta 1520. Njegov sloves se je razširil po vsej Evropi in Dürer se je lahko pohvalil s plemenitim krogom prijateljev, kot so Raphael, Giovanni Bellini in Leonardo.

Po vrnitvi domov je nastalo nekaj njegovih najbolj znanih slik, kot so na primer Adam in Eva (1507), oltar z Marijinim vnebovzetjem (1509) in Čaščenje Sv. trojice (1511). V tem obdobju pa je končal še dve velika lesorezna cikla - Veliki pasijon in Marijino življenje, ki sta bila izdana leta 1511.

V službi dveh cesarjev

Leta 1512 je postal slikar cesarja Maksimilijana I. in po njegovi smrti tudi mladega Karla V. Po Maksimilijanovi smrti je Dürer zapadel v krizo, zavedajoč se, da je doba njegovega patrona prišla h koncu.
Nanj pa je vplivalo tudi pisanje Martina Luthra in v njegovem poznejšem delu je vse bolj navzoče protestantsko obravnavanje motivov.

Julija leta 1520 se je odpravil na svoje zadnje potovanje (tokrat skupaj s soprogo) po dolini Rena najprej do Kölna in nato do Antwerpna in še v nekaj drugih mest. Leta 1521 se je vrnil v Nürnberg, kjer je živel vse do svoje smrti, leta 1528.

Slikanje za dušo

Dürerjeva umetnost kaže vplive tako flamske kot beneške umetnosti, pa tudi del Michaela Pacherja in Martina Schongauerja. Bil je sijajen portretist, začetnik tradicije samostojnega slikarjevega avtoportreta in poskrbel za prve romantične upodobitve alpske pokrajine. Gozdove, vasi in jezera je upodabljal v akvarelu, pri tem pa ni šlo vedno za študije, ki so pozneje služile večjim kompozicijam, ampak za manjša dela, ki jih je umetnik očitno slikal 'za dušo.'

Na nadaljnjo umetnost pa je imel največji vpliv prav kot grafik, ki so se širile na vse konce Evrope.

Za konec pa še fotografija Roberta Hutinskega: V Okvirju

Pet minut za kulturo - Giotto

Giotto di Bondone (1267-1337) in njegova poslikava kapele Scrovegnijev v Padovi

V kraju Colle di Vespignano rojeni umetnik je med letoma 1302 in 1305 od stropa do tal poslikal kapelo, v Padovo prinesel "revolucionarne" formule, ki jih je nenazadnje razvijal že v Assisiju, imele pa so izjemen vpliv na nadaljnjo zahodnoevropsko likovno umetnost.

Revolucionarno je zagotovo njegovo realistično upodabljanje prostora in arhitekture, postavitev figur v prostor, v krajino in njihova karakterna individualnost.

Giottove anatomsko pravilne figure, ki obvladujejo prostor, čustvujejo in sugestivno pripovedujejo zgodbo, so pripravile pot prihod renesančne umetnosti, slikarja pa so visoko cenili že sodobniki;
nenazadnje ga je v svoji Božanski komediji v laskavem kontekstu omenil tudi Dante.

V Padovo se je Giotto odpravil, ko se je bližal 40. letom, njegov slog pa je bil takrat že bolj ali manj dovršen. S to poslikavo v kapeli Scrovegnijev je v bistvu odprl pot nadaljnjemu slikarstvu, odprl pot
nadaljnjemu razvoju v renesansi in s pripovednostjo, torej z narativnim prikazom, z realističnim prikazom arhitekture in prostora, s prikazom čustvovanja figur in z obvladovanjem kompozicije naredil nek prehod v začetek renesančnega slikarstva.

Naslikane figure stopijo iz stene

Da bi sledili kronološki pripovedi upodobitev, je treba poslikavo spremljati od stropa do tal. Tako se v zgornjem pasu ladijskih sten na vrhu razteza zgodba Marijinega življenja, osrednji pas se osredotoča na Kristusovo otroštvo in javno delovanje, pod tem pa se nato razgrne še Kristusov pasijon. Celotno novozavezno pripoved je Giotto zaključil s talnim zidcem spodaj, kjer je upodobil nasproti si stoječe pare kreposti in pregreh. Figure, ki s svojimi atributi opozarjajo, katera življenjska pot vodi v večno življenje in katera v pogubo, so naslikane v grisaille tehniki, pri uporabi katere dosega Giotto neverjetno tehnološko mojstrstvo, saj pričara pravo iluzijo marmorjev in kipov.

Na slavoločni steni, torej steni, ki deli ladijski in oltarni prostor, je na vrhu upodobljen Bog Oče, ki naroča nadangelu Gabrijelu, naj oznani Mariji in tako odloča, da se mora zgodovinsko dejanje zgoditi.

Spodaj se razvrščajo še figure angela in Marije Oznanjenja, Judeža, ki sprejme srebrnike, in Obiskovanja ter dve iluzionistični upodobitvi prostora, ki delujeta kot niši.

Čez celotno zahodno steno se razteza Poslednja sodba s Kristusom Sodnikom v avreoli, z izbranimi na levi in zavrženimi na desni strani.

O samozavesti naročnikov priča tudi figura Enrica Scrovegnija, ki stoji med izbranimi in drži v rokah model kapele, ki jo daje v priprošnjo. Na modrem stropu enoladijskega prostora se razprostira
množica zlatih zvezd z medaljonskimi podobami Kristusa in prerokov.

Giotto je poslikavo zajel tako, da freske najbolje vidimo, če stojimo v središču prostora, prizori pa so naslikani tako, da so vsi osvetljeni iz enega samega svetlobnega vira, ki ga predstavlja glavno okno na zahodni steni.

• Robert Hutinski: Na hodniku

Pet minut za kulturo (zgodovina poslikav in fresk)

Prve poslikave ali freske so nastale nekako pred 30.000 leti v jami Chauvet v Franciji. Nekako pred 15.000 leti so bile poslikane jame v Lascauxu v Franciji in Altamiri v Španiji.

Ti zgodnji primerki slikanja fresk so dokaz o dolgi raznoliki zgodovini v tej umetniški
obliki. Te zgodnje freske, slikane na apnenčaste stene v jamah prikazujejo izrazne in realistične podobe konj, bizonov, medvedov, levov, mamutov in nosorogov, ki so jih odkrivale raziskave v zgodovini umetnosti.

Do leta 1500 pred Kristusom so se tehnike barvanja razvijale v smeri slikanja na mokre ometane stene, kar dovoljuje večjo fleksibilnost glede lokacije in dekorativnega namena. Prvi taki
primerki za take freske so najdeni na otoku Kreta v Grčiji. Najbolj znana od teh je Toreador ,ki upodablja skrivnosten obred, kjer posamezniki skačejo preko hrbtov velikih bikov.

Medtem, ko so bile posamezne freske najdene na drugih lokacijah Mediterana , posebej v Maroku,in so njihovi originali predmet špekulacij. Nekateri umetnostni zgodovinarji menijo, da so bili umetniki iz Krete poslani v Maroko kot del blagovne menjave z možnostjo dviga pomembnosti tega umetniškega dela za tedanjo družbo. Freske so bile slikane tudi v starodavni Grčiji, a je le malo teh del ohranjenih. V južni Italiji v Paestumu, ki je bil grška kolonija, so freske iz leta 470 pred Kristusom. Te freske predstavljajo prizore življenja v Grčiji in tvorijo dragocen zgodovinski dokaz. Ena od teh prikazuje skupino moških na banketu, druga pa moškega, ki se potaplja v morju.

Pompeji

Romanske freske, ki so najdene v Pompejih in Herkulaneumu, so datirane iz prvega stoletja. Prikazujejo izredno realistične podobe domov in vrtov. Tisti, ki so videli freske v Pompejih se neizogibno srečajo z ironijo tragičnega dogodka, ko je vulkan Vezuv leta 79 bruhal lavo.
Napredek Pompejev v poljedelstvu in trgovini je dal mnogo elana in podpore umetnosti , še posebej slikarjem fresk, kateri so odražali s svojim delom življenje takratne družbe. Športni dogodki, ki jih je
slikal Tacitus, so le eni od mnogih. Prikaz dogodka je boj med Pompeji in rivalstvom meščanov, izprijen od govornih žalitev do metanja kamnov in uporabe nevarnih sabelj. Ta slika je izreden prikaz detajlov in omogoča enkraten vpogled v dogajanje.

Strog stil gradnje hiš v Pompejih in njihova skromna notranja oprema, kot je bila navada tistih dni je spodbudila slikanje fresk v dekorativne namene. Stene so bile pobarvane z rdečo , rumeno in črno
barvo, ter so prikazovale like, pokrajino, maske ali cvetlične vzorce.

Tehnike nanosa barv so bile tako enkratne, da so omogočile obstoj fresk za več tisočletij. Pomembno je, da še do današnjih dni ni razkritih vseh skrivnosti tehnik nanosa in vztrajnosti pri delu.
Seveda je bilo bogastvo dekoracij pogosto v vlogi petičnih posrednikov fresko slikarjev in en vidik dekoracije je bil potemtakem baročni okus. Baročni stil je način izražanja populacije južnih
kultur, prenesene v nivo bahaštva preko bogatih pokroviteljev. Potrebe baročnega izražanja gre pogosto pripisovati strahu pred povrnitvijo v revščino in bedo. Zanimivo je, da je veliko gospodarskih subjektov podpiralo umetnost in stoletja so bili drugim deželam vzor bogastva
in varnosti.

Hiše v Pompejih, tudi bogataševe, so bile omejene v velikosti. Vendar so bile tudi manjše sobe odete v razširjena obzorja horizontalnih oblik fresk. Freske upodabljajo harmonične prizore iz podeželja,
prekrasne poglede na morje in modro nebo, ali motive sadnih dreves.

Izredni primerek prikaza Pompejev so naslikali v vili Mysteries. Brez poglobitve v interpretacijo slik nam že zadostuje, da opazimo poslikavo celotnih sten, ki prikazujejo skrivnost likov zajetih v
zvrst čarobnega baleta.

Stanovalci Pompejev so bili precej vraževerni, kar dokazuje veliko svetinjic proti nesrečam, ki so jih arheologi našli pod ruševinami. Razvrščeni so od preprostih svetinjic, litih iz brona ali kovani v
obliki simbolov proti zlu in hrepenenju po dobroti božanstev. Kot dodatek k temu, so simboli slikani ali oblikovani na vhodih skoraj vseh hiš in trgovin. Vraževerni simboli so se razširili po vseh
Pompejih in niso več prikazovali toliko seksualnosti, temveč zdravje in blagostanje. Podobe, ki so erotične ali celo pornografske so bila standardna značilnost vsakodnevnega umetniškega izražanja v Pompejih.

Seksualne povezave so portretirane v vseh variantah in kombinacijah in prebivalci so živeli s temi podobami tako kot s pokrajinskimi motivi. Erotične freske v Pompejih podčrtajo razpoke, ki obstajajo med njihovo kulturo in sedanjostjo. Erotične freske v Pompejih niso v celoti
odprte za javnost, prav tako je ogled starostno omejen. Drugi značilen aspekt fresk v Pompejih (kot tudi prevladujoča oblika mozaikov ) so bili človeški pogledi na verske osebnosti. V njihovih
različnih upodobitvah so božanstva povzdignjena nad nami vsemi. Dajejo dekorativno lastnost in polepšajo hiše premožnih trgovcev. Dekorativni verski motivi te vrste vključujejo Poroko Marsa in Venere, Jupitrov zakon, Narcissus pri vodnjaku in druge osebe iz zgodovine in mistične
narave. Božanstva, ki so bila pri srcu prebivalcem Pompejev so bila povezana z naravo, zdravjem in srečo. Povrh tega je potres leta 62, ki je povzročil izbruh vulkana Vezuv povečal dovzetnost do bogov, ki naj bi prebivalce ščitili pred katastrofami in zato so jih tako radi upodabljali na freskah v Pompejih.

Druga večja zgodnja obdobja barvanja fresk

Drugačen navdih slikanja je bil z zgodnjim krščanskim življenjem v Rimu med poznim drugim in v začetku tretjega stoletja. Zgodnje krščanske slike po stenah v podzemnih rovih in katakombah so simboli in dogodki iz Biblije. Sveti motivi fresk so bili tudi v Aziji in v vzhodno evropskih civilizacijah. Arheologi so našli freske na Kitajskem v Liao-yangu, stare približno sto let pred Kristusom in v Tun-Huangu iz leta 500-800 našega štetja, kot tudi v Indiji v Ajanti leta 500-700. Prikazujejo najstarejše podobe Bude in zgodbe iz zgodnjega utelešenja.

V Bizantinski kulturi so freske nastajale od leta 500-1300 v predelih današnje Rusije, Ukrajine in na Balkanu. V Franciji so bile freske upodobljene od leta 1100 do 1300 in so bile gotskega značaja.

Italijanski predstavniki fresk

Najbolj znane freske v zahodni Evropi so ustvarili veliki Italijanski mojstri: Giotto, Michelangelo, Raphael in Tiepolo. Giottove srednjeveške freske v Areni Chapel v Padovi (1305-05) so upor upodabljanja Kristusa in drugih bibličnih oseb z izražanjem človeške kvalitete in njihovega trpljenja. Renesančne umetnine, kot je Michelangelov strop v Sistinski kapeli (1508-12)

in Raphaelova Šola v Atenah in Vatikanu (1510-11) so prepoznavne po svojih enormnih merah,
izrazno močjo in dovršeno lepoto.

Tiepolove freske, slikane v slogu Rokoko v letu 1700 so bolj lahkotne in igrive.

Giotto : Iznajditelj modernega slikanja

Giotto je bil nagrajen kot predstavnik tehnično podkovanega ustvarjalca fresk v trinajstem stoletju v Rimu, kjer je delal kot mladi umetnik. Po merili in področjih je bilo barvanje na stene najpomembnejša zvrst umetnosti v Italiji v štirinajstem stoletju. Giottove poslikave v Areni Chapel v Padovi so najbolj izdelani primeri slikanja fresk.

Tiepolo: izraznost obilnosti in negotovosti

Benetke, v katerih je bil rojen Giambattista Tiopolo odražajo politični in ekonomski padec po stoletjih izobilja. Beneška republika je izgubila nadzor nad morjem po Turškem zavzetju Candie. Habsburška monarhija je preusmerila prevoze tovora na celino in Benetke so se znašle na obrobju političnega prostora v Evropi. Veliko velikih družin v republiki je bilo sigurno mnogo prikrajšano in zato nenaklonjeno novi realnosti, ki je prevladovala. Večne palače na Grand kanalu, vsaka vila, ki je bila locirana v prelepem okolju Benetk je nadaljevala živahno, svečano, če ne noro življenje. Bilo je obdobje pomanjkanja stika z realnostjo. Plemstvo in njegovo propadanje je bilo nostalgično že od starega veka, privlačila so jih mistična bitja iz klasične Grčije, vključno z gledališčem. Nasprotno pa je bilo čutiti porast srednjega sloja ljudi, ki je izviral iz humornosti in včasih boljšega dojemanja realnosti. Razcep pogledov ni bil nikjer tako očiten, kot v družini Tiepoli, kjer je imel Giambattista odpor proti veličini in herojstvu, medtem, ko je njegov sin Giandomenico, kateri je poslikal Beneške maske raje bežal iz groteskne realnosti. Tiepolo je bil rojen v Benetkah 5.marca 1696 kot najmlajši od šestih otrok.Njegova družina je bila premožna in skozi ves čas njegovega življenja je bil uspešen pri svojem delu, v ugledu in prepoznavnosti svojih del. V začetku je bil Tieopolo vajenec v steklarski delavnici , kjer je delal z ogledali pod nadzoru dveh umetnikov, ki sta bila naklonjena temnemu, mučnemu slikanju realističnega 16. stoletja .Pri dvajsetih je Tieopolo naslikal Isakovo sardelo in Mučenje svetega Bartolomeja.

Vsekakor sta to bili njegovi zadnji stvaritvi pred novo usmeritvijo njegovih značilnih bleščečih in dekorativnih fresk. Tiepolov sin je prestavil slikanje na strop, kot na primer v cerkvi Carmelitani Scalzi v Benetkah. Prvič v dekorativnem slikanju v 17.stoletju je bilo nebo slikano svobodno in svetlo, medtem, ko so se liki premikali proti bogato okrašenih robovom in natančnih okvirjem.

Tiepolo je bil slikar neba, oblakov, angelov in sestavljenih skupin ljudi. Kmalu je razvil okus za zgodovinske in mitološke podobe. Celo Benetke , njegovo čarobno mesto mu ni moglo dati navdiha . Skoraj nikoli ni slikal prave narave, ampak se je raje koncentriral na mitologijo, ki je zadostila njegovo potrebo bega od vzvišenosti.

Freske danes

Freske so danes zanimive pri obnovitvah in jih odobravamo morda zaradi dolgoročnega restavriranja Vatikanske sikstinske kapele, ki so jo začeli obnavljati leta 1980. Povrh tega tehnike temeljijo na naravnih materialih in imajo dolgo življenjsko dobo.

Vsake kopije (industrijsko printanje..) so nepopolna umetnina , ki deluje na svet dolgočasno , kot masovne proizvodnja blaga za enkratno uporabo. Zaradi vse večje uporabe Calicot oz. Strappo metode pri slikanje fresk, je mogoče freske prenašati iz studia v vaš dom. Saj je samo taka freska, avtentična freska in razkriva čudovitost prelivanja barv in dolgoročno naložbo v umetnostne stvaritve.

• Robert Hutinski: Sonceokno

Pet minut za kulturo - Hans Holbein

Ime moža, ki je temeljito vplival na razvoj britanske likovne umetnosti po koncu 15. stoletja, je Hans Holbein.

Hans Holbein se je leta 1497 rodil v Augsburgu na Bavarskem, njegova slikarska kariera pa je vzpon doživela po prihodu v Basel leta 1526. V Basel se je vrnil tudi po svoji "britanski avanturi", saj mu je v Švici ob strani stal njegov mecen, veliki učenjak Erasmus. Ta je tudi poskrbel za še eno Holbeinovo "poslovno pot" v Anglijo. Ob svojem drugem obisku onkraj morja je Holbein namreč delal za filozofa Thomasa Mora, Erasmusovega prijatelja.

Veliko je k Holbeinovemu uspehu v Veliki Britaniji pripomoglo navdusenje zloglasnega "krvavega" kralja Henrika VIII. nad njegovim delom. Prav zaradi prijateljstva s Henrikom številni zgodovinarji
umetniku očitajo priliznjenost in slepo hlepenje po uspehu. Po smrti Jane Seymour je Hans Holbein kralju, ki se je kar šestkrat poročil, nekaj svojih žena pa je tudi sam "prikrajšal za glavo", celo pomagal iskati novo ženo. Ogledoval si je primerne mlade plemkinje, jih portretiral in Henriku prinašal slike. Ravno portreti so bili največja Holbeinova "slast".

Zagotovo pa je ena od velikih skrivnosti slikarstva Holbeinovo delo Ambasadorja.

Dešifriral pa jo je Federico Zeri. Pri tej sliki >>Poslanika<< (Tate) so se vsi spraševali, kaj pomeni podolgovat predmet v ospredju. Na sliki sta upodobljena veleposlanika francoskega kralja. Sprva so ta predmet razumeli kot podolgovat list papirja. Čuden madež v nekem skladnem redu. Obe osebi sta pravilno vključeni v prostor in globino polja, ta spaka v ospredju pa je zgrajena v povsem drugačnem perspektivičnem pogledu.

In kaj je? Anamorfoza. Človeška lobanja. Razpotegnjena zaradi spremenjene perspektive. Spoznana je zgolj skozi neko luknjico okvirja na desni strani. Slika je očitno imela izbočen okvir, v okviru je bila luknja in če si pogledal skozi njo, je podoba dobila pravilna sorazmerja: podobo lobanje.

Toda v čem je >>finta<< te lobanje? Zakaj je postavljena pred ta dva mlada, samozavestna moška, ki sta na vrhuncu svoje kariere, bogastva, svetovljanstva?

Razlog je v opominu. V tistemu, čemur pravimo >>memento mori<<. Tudi ambasadorja sta končna: čas ima svojo moč. Pogost renesančni motiv, a v svoji sporočilnosti streznitven še danes.

• Robert Hutinski: Inri reaktor

Pet minut za kulturo - Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti je najbolj občudovan umetnik 16. stoletja, oziroma visoke renesanse. Čeprav je bil predvsem kipar so njegove poslikave sikstinske kapele v Vatikanu med njegovimi najslavnejšimi deli.
13 let starega ga dajo dali v vajenštvo slikarju Domenicu Ghirlandaiu. V roku enega leta pa oddide na pravo šolanje v samostan Sv.Marka v Firencah, kjer se pod očesom Bertolda di Giovanija posveti preučevanju antičnih kipov . Vendar se v času, ki ga preživi v Sv. Marku ne posveča samo kipom temveč velik del svojih študij posveti preučevanju anatomije človekovega telesa. Njegovo znanje anatomije se pokaže v njegovih slikah človekovega telesa .

• Micchelangelo: David

Leta 1490 se sreča z Lorencom Veličastnim in takrat se začne njegovo sodelovanje z Medičejci. V
naslednjih dveh letih tako za Medičejce ustvari dva ploščata reliefa Madona na stopnicah in boj kentavrov. V naslednjem obdobju pa se začne ukvarjati z antiko. Leta 1494 se tik pred padcem Medičejcev odpravi v Bologno. Kmalu je pod vplivom Jacopa della Quercia ustvaril kipe Klečeči angel z baklo, Sv. Prokul in Sv. Petronij. Vsi trije kipi so narejeni v novodobnem stilu. Leta 1495 se vrne v Firence, leto kasneje pa ponovno odpotuje, tokrat v Rim.

• Michelangelo: Pieta

Tam ostane do leta 1501. V obdobju njegovega življenja v Rimu so nastala pomembna Michelangelova kiparska dela npr. Pijani Bakh in Sočutna bolj poznana kot Pieta. Po vrnitvi v Firence začne z delom Davida, ki ga dokonča v letu 1504. Predno je končal Davida je v letu

1503 je ustvaril tudi Madono z otrokom, Pitljiva Madona in Taddeieva Madona. Njim je v letu 1504 sledila edina z gotovostjo avtorstva določena slika Sveta družina. Leta 1505 se je po vrnitvi v Rim začelo novo obdobje ustvarjanja in prvo njegovo delo v tem obdobju je bil nagrobnik za papeža Julija II.

Leta 1508 je dobil papeževo naročilo za poslikavo Sikstinske kapele v Vatikanu, njegovo največje delo. S to fresko se ukvarja naslednja štiri leta.

Leta 1520 se loti svoje prve arhitekturne umetnine pročelja Florentske cerkve sv. Lovrenca, ki pa zaradi pomanjkanja finančnih prispevkov ni bilo nikoli dokončano. 1536 ustvari fresko poslednja sodba na oltarju Sikstinske kapele. V tem obdobju dobi še dve naročili za stenske slike v Paolinski kapeli v Vatikanu, Savlova spreobrnitev ter Petrovo križanje . V tem istem obdobju naredi tudi dva kipa za Julijev nagrobnik Rahela in Lija. Od 1546 v Rimu vodi gradnjo za dokončanje palače Farnesejev in gradnjo stolnice sv. Petra. Umre med delom cerkve Sv. Petra, 18 . 2 .1564.

Zadnjih 14 let svojega življenja Michelangelo ni slikal ampak se je ukvarjal samo z arhitekturo ter kiparstvom. Po njegovi so njegova nedokončana dela končali njegovi učenci.

• Robert Hutinski: Deus benedictus

Pet minut za kulturo - Tizian

Tizian ni imel Leonardovih znanstvenih zanimanj in za razliko od velikih renesančnih 'uomo universale' ni bil niti kipar niti arhitekt, ampak je bil preprosto slikar. A vsekakor je daleč odstopal od svojih stanovskih kolegov, zato tudi ne preseneča, da so se za njegova dela zanimali najpomembnejši naročniki, od mantovanskega, ferrarskega in ubrinškega vojvode, kralja (Filip II. Španski), pa vse do papeža (Pavel III.) in cesarja Karla V.

Tiziano Vecellio se je rodil v kraju Pieve di Cadore okoli leta 1490, vendar pa so natančnejši podatki o njegovem rojstvu in zgodnjem ustvarjalnem odbobju manj znani. Možnost je, da se je slikarstva učil pri beneškem mojstru mozaika Sebastianu Zuccatu ter Gentilu in Giovanniju Belliniju. Bil pa je učenec se enega pomembnega benešskega mojstra, Giorgioneja. Dobro zdravje mu je omogočilo kakih sedemdeset nadvse dejavnih let in njegovo smrt v Benetkah so objokovali leta 1576.

Njegovo delovanje pogosto delijo v tri odboja:

• mladostni barvni klasicizem (1510-1530),
• vrhunec, ki ga zaznamujejo manieristična leta (1530-1550)
• dramatična in ekspresivna starostna doba (1550-1570).

Prva leta 16. stoletja zaznamuje njegovo ustvarjanje predvsem sodelovanje z Giorgionejem, s katerim sta skupaj uspela ustvariti tisto značilno popolno beneško vzdusje. Takega zasledimo na znameniti sliki Concter champetre, ki danes visi v pariškem Louvru.

Delo, ki je bilo nekoč pripisano Giorgioneju, danes uvrščajo v Tizianov opus. Za dvema oblečenima moškima in dvema golima ženskima figurama, ki preživljajo vroč poletni dan na prostem, se razteza značilen pogled v prijetno krajino v ozadju. Tizian je svoje mojstrstvo rad razkazoval na detajlih, ki so zahtevali se poseben slikarski talent. Takšen je na primer vrč z vodo, s katerim zajema ženska ob vodnjaku.

Slavna Tizianova Assunta

Tizianov slog je nato postajal vse bolj drzen in svoboden ter postopoma pogumno pretrgal z načinom, ki se je izkazal za tako priljubljenega. V drugem desetletju 16. stoletja je nastalo delo, ki
je pomemben mejnik pri razvoju sakralnega motiva Marijinega vnebovzetja. Gre za Marijino nebovzetje (Assunta), ki visi v cerkvi Santa Maria Gloriosa dei Frari v Benetkah, nastala pa je med 1516 in 1518. Slikar si je zamislil tridelno kompozicijo, pri kateri je spodnji zemeljski pas namenil v nebo zazrtim apostolom, vmesni pas angelom in Mariji v drži oranta ter nebeški pas Bogu Očetu, ki Marijo sprejema, ob tem pa sklepa v nebo kipečo kompozicijo.

Mojster portretov

Tizian je bil tudi eden najodličnejših evropskih portretistov svojega časa. V portretu prijatelja Pietra Aretina, ki mu je glede na njegov stan namenil neobičajno velik izrez, je zajel ves bleščeč sijaj
portretiranca. Gledalca presune slepeč vtis obleke in neusmiljeno opazovanje človeka, o katerem so govorili, da ima o vsakomur povedati kaj slabega, razen o Bogu, to pa zato, ker se ne poznata osebno.

Pietro Aretino (1492-1556) je bil namreč zaradi svojih slavnih pisem, ki so bila nekakšna rumena kronika tistega časa, poznan kot kritik, čigar komentarji so bili najbolj iskani in hkrati najbolj strah
vzbujajoči.

Tizianov portretni opus zaokroža se vrsta portretov Karla V., Filipa II., papeža in nenazadnje številne lastne podobe. Na njegovih avtoportretih, pa tudi drugih slikah, lahko spremljamo Tizianovo vse
bolj strogo redukcijo barvne palete. Ta se je počasi skrčila na tri osrednje barve ? črno, belo in beneško rdečo.

Z redukcijo barvne lestvice je tudi njegova poteza postajala vse bolj dramatična in težka. Temu sledimo že na znameniti Danai, ki jo je leta 1554 naslikal za Filipa II. Barva počasi preneha biti barva in se raztaplja v vzdušje. Od blizu se tako slika izrisuje skozi črte in brazgotine, na hitro nametane na platno. Vse bolj pastozni nanos se je kazal tudi v nabožnih podobah, kot je na primer Zasmehovanje Kristusa.
Nekateri sodobniki so to razumeli kot pešanje slikarjevih moči. V resnici pa je šlo za to, da si je Tizian vedno prizadeval za čim bolj osebno ravnanje z barvami. Tako se je na koncu odpovedal tudi čopičem in začel slikati z rokami.

Tizianovo slikarstvo predstavlja pomembno postajo v zgodovini likovne umetnosti. Vendar pa njegovi pravi nasledniki niso bili Italijani niti slikarji t.i. cinquecenta (torej 16. stoletja), ampak so se po njem zgledovali nekoliko poznejši velikani, kot so Velasquez, Poussin, Rembrandt in Rubens.

Robert Hutinski: Mislec